MICHAEL JORDAN

Inimitable?
Por cierto, me encanta este anuncio.

SO YOU THINK YOU´RE IN LOVE

LECCION DE CINE (III) EL GRADUADO

Pero no todo en la narratología cinematográfica es prospección diegética. El cineasta tiene recursos de puntuación para "detener" la acción, y así aliviar el continuo movimiento hacia el futuro en el que se convierte la narración cinematográfica. Estos recursos toman la forma de pequeñas escenas, normalmente subrayadas con música y sin casi apenas diálogos que los americanos llaman aftermath beat, y se usan principalmente para centrar la atención, o si se prefiere, para reflexionar sobre lo que acaba de suceder. El final de Las noches de Cabiria sería un ejemplo perfecto. O éste que os presento a continuación. La antológica escena final de El Graduado en el autobús.

LECCION DE CINE (II) LAWRENCE OF ARABIA

La secuencia inicial de esta película es asombrosa, desde un punto de vista narrativo. La secuencia abre con un angulo picado de un hombre uniformado y una motocicleta. La elección de dicho ángulo de cámara crea una suerte de puzle visual y sus acciones (preparación para un viaje en moto) "empujan" al espectador a seguir interesado, porque focalizan su atención en el futuro.

El hombre comienza su viaje cuando terminan los créditos. La indeterminación de su identidad continúa ya que su rostro está casi totalmente tapado por unas gafas. Pasa por unas obras donde hay una señal que indica peligro (un sutil presagio visual)

El accidente consiguiente esta tratado de una manera oblicua (el plano de las gafas en el arbusto).

Un corte brusco y nos encontramos con una estatua de un hombre identificado como T.E.Lawrence. De nuevo una visión "parcial" del personaje. La música y el vestuario de los personajes sugieren una ceremonia conmemorativa y oímos como los asistentes intercambian opiniones contradictorias sobre Lawrence: "poeta", "erudito","guerrero poderoso", "descarado exhibicionista", "un gran hombre"...
La escena culmina con una línea de diálogo que enlaza con la siguiente escena. Tras el corte, una mano en primer plano pinta con un pinzel un mapa. Es la mano de Lawrence y, efectivamente, está en El Cairo. Y así el espectador obtiene por primera vez en la película (han pasado ya 5 min.) una visión clara del protagonista. Los cinco minutos anteriores cumplen su funcion a la perfección: enganchar al espectador por medio de la curiosidad.

(El video comienza en el min 4:20 aprox.)

ENTREVISTA PRU

Provisional Rock Unit

Cuando están a punto de sacar su primer 10 pulgadas de debut es para mi reconfortable presentar a Provisional Rock Unit desde Alicante con unos sonidos excelentes que abarcan desde las influencias de Big Star a Husker Du pasando por más escuelas del rock pero con su propia forma y calidad a la hora de desarrollar sus temas. Desde aquí damos las gracias a Paco Membranas por habernos descubierto a un grupo con mucho poderío, ellos son Provisional Rock Unit.

Antes de nada, ¿me podríais decir algo de vuestra anterior banda llamada Provisional Stance?.
semi: Provisional Stance surgió de forma casual. Yo había tocado en varias bandas anteriormente (Los Molonguis, Guardería Caníbal…) y llevaba un tiempo sin tocar con nadie ni ninguna intención de hacerlo. Un día me encontré por casualidad a JC (batería de Las Membranas y Los Molonguis, donde habíamos coincidido) y me dijo si quería formar un grupo. Acepté enseguida porque él era un buen batería. A partir de ese momento, el proyecto “Provisional” comenzó a andar con nula conciencia de si mismo. Yo recluté a José (guitarra) y éste a su vez a Joan (bajo), que por aquel entonces tocaba la batería en Agression. En aquella época (2000), todos oíamos bastante a Fugazi y eso se notaba mucho en nuestro sonido. Llegamos a grabar una maqueta que nunca vio la luz oficialmente e hicimos muy pocos conciertos. En resumen, fue un proyecto fallido pero que nos permitió curtirnos y aprender a tocar juntos.

Después de este proyecto, ¿cómo y cuando surge Provisional Rock Unit?
semi: Cuando se deshizo Provisional Stance (JC se fue a Barcelona), estuvimos casi un año sin tocar. Pero la necesidad de tocar nos hizo replantearnos la situación y volver a formar el grupo (2004). Jorge (bajo) entró en la banda y Joan empezó a tocar la batería. El sonido cambió completamente. La base rítmica era distinta y musicalmente nos encaminábamos poco a poco hacia sonidos más 80´s. Como el grupo sufrió esta mutación del emo-core al post-punk, vimos lógico un cambio de nombre.

Sonidos que van desde el pop, el power-pop, el rock a los sonidos clásicos americanos, ¿estáis de acuerdo en esta definición del grupo?
semi: Estoy de acuerdo. Desde que comenzamos con Provisional Rock Unit, nos hemos ido inclinando poco a poco hacia sonidos más clásicos. Esta “involución” no ha sido un proceso pensado, simplemente ha surgido espontáneamente al centrar la atención más en las voces y las melodías. Comenzamos con sonidos de los 90, luego le vino el turno a los 80, y ahora estamos con los 70… igual acabamos cantando espirituales negros.
jose: Pues la verdad es que con esto de las etiquetas nunca nos aclaramos mucho. En realidad bebemos de muchas fuentes. Por supuesto, hay mucho de pop y de rock clásico en la banda: a todos nos encanta Neil Young o Dylan. Pero también nos han clasificado con otras bien distintas en ocasiones. Por ejemplo, tenemos ramalazos postpunk porque todos escuchamos Gang of Four, Psichodelic Furs o los Feelies, siempre nos hemos considerado bastante punkis, flipamos con Dead Kenedys, Wipers y mil bandas de punk más. Aunque últimamente, como también tocamos en Los Plátanos, canalizamos todo nuestro venazo punk en esta otra banda. En Provisional nos volvemos cada vez más clásicos, cada vez escuchamos más folk como John Fahey, Leo Kottke, Bert Jansch o Nick Drake, y también mucho Soul y R&B, sobre todo a los grandes: Curtis Mayfield, los Impresions, Otis Redding, Marvin Gaye, Gino Washington, Sam Cooke… Aunque como decía antes, nunca hemos dejado de ser una banda de punk que a veces suena bastante desastrada y quizá eso sea lo mejor.

Todo vuestro proyecto de grupo lo habéis polarizado en Alicante, ¿Por qué no os habéis presentado todavía en el resto de España?.
jose: La mayor razón de que esto haya sido así son los trabajos, en especial el de Joan, el batería, que trabajaba en unos grandes almacenes y esto no nos dejaba movernos casi. Gracias a Dios la cosa va a cambiar porque ya no esta trabajando en lo mismo. De hecho, va a abrir un bar de rock en Alicante, el Sonora, que dará que hablar, ya que hasta ahora solo teníamos dos sitios a los que ir en Alicante: el Supporters y el Mono. Aún así el año pasado hemos tocado en Madrid dos veces y también en Murcia, Valencia y Asturias así que realmente ya nos hemos presentado un poco.

Me ha impactado mucho que el grupo tiene unas maneras e ideas bien estructuradas en el contexto de letras y sonidos, ¿cuidáis mucho este apartado?
semi: Bueno, al menos somos conscientes de su importancia. De todas formas, algunas de nuestras letras son fruto de la improvisación. También es cierto que ha habido otras en las que hemos ido en una interminable e infructuosa búsqueda del mot juste. Al final, mis preferidas son las más vehementes e intuitivas.
No sé muy bien a qué te refieres con contexto de los sonidos. Si te refieres a los arreglos, es cierto que en esta última grabación hemos hecho un intento consciente de cuidar ese aspecto.
jose: Esto se debe a un cambio de hábitos a la hora de componer. Antes nos juntábamos para ensayar, e improvisábamos y componíamos todos juntos. Cuando nos salía algo interesante, nos poníamos a buscar un cambio, y después metíamos una melodía de voz encima. Ahora componemos en casa. Alguien hace una canción con su acústica de forma que la estructura siempre es más coherente y más cerrada con su verso, su estribillo y sus puentes, después se lleva al local y allí se le saca una línea de bajo, una batería adecuada y arreglos en torno a la voz.

Se nota en algunos temas una gran influencia de la Big Star.
jose: Nos encanta Big star, los Box tops y Alex Chilton en solitario, así que para nosotros es un gran halago que nos digan algo así. Yo personalmente soy un fanático desde hace un par de años. De todas formas, creemos que esa influencia se esta notando mucho más en las nuevas canciones que estamos componiendo ahora mismo.

De momento solo tenéis un single compartido, ¿Hablarnos algo de este single?
jose: Es un single compartido con Qualude, una de las mejores bandas que ha habido en Alicante. Después ficharon por Bcore y sacaron un disco que para nosotros es de lo mejorcito que ha sacado Bcore en mucho tiempo junto con el de Estrategia lo capto! El single es de hace dos años. Todavía se notan mucho las influencias de nuestra anterior banda, son dos temas que suenan bastante a Fugazi y poco tienen que ver con lo de ahora.

Dentro de poco tendréis en el mercado un 10 pulgadas, ¿cómo habéis enfocado este trabajo?
jose: Bueno, este trabajo ha surgido de una forma bastante espontánea. De repente te das cuenta de que tienes un montón de temas nuevos en los que crees, y te planteas grabar y editar. En nuestro caso, ganamos 2000 euros en un concurso de maquetas en Mieres, en el que quedamos los primeros, y disponer de pasta fue el detonante para llevarlo a cabo.

¿Tendrá temas de vuestra última maqueta?, ¿cómo ha sido la selección de las canciones?
jose: Creo que en esto no ha habido discusión. Nos metimos en el estudio y aunque parezca mentira, grabamos 17 temas de los que pensábamos quedarnos con unos 12 o 13 para sacar un lp. Lo que ha ocurrido es que nos hemos dado cuenta de que preferimos sacar solo los 7 mejores de esos temas para ganar en calidad olvidándonos de la cantidad.

El tema “I’m in love again”, es de lo mejor que he oído últimamente, ¿Me podéis hablar algo sobre este tema?
jorge:: Era un intento de homenaje a los Buzzcocks y a Prefab Sprout que acabó sonando a The Cure y a The Police dios sabe bien porqué. La letra es, como diría Claudio Membranas, sobre ese momento en la vida de todo hombre en que un tren se va con una mujer y otro viene con una nueva. Y tú en la cafetería de la estación, tomando cerveza.

¿Nos podríais decir como va ser el 10 pulgadas en cuanto sonidos y temas que compondrán todo ello?.
semi: Va a ser un disco variado. El único criterio a la hora de seleccionar los temas era que nos gustasen a todos. Así, en el disco se pueden encontrar desde sonidos “indies” hasta canciones con aire más clásico. Es como una fotografía de quienes éramos y qué escuchábamos cuando grabamos esas canciones.

El mundo underground de la música es duro, ¿como lo veis vosotros?
semi: Sacrificado. Tienes que tocar mucho para estar en una posición que te permita la posibilidad de ganarte la vida con ello, si eso es lo que buscas.
jose: Un disparate.

Provisional Rock Unit tienen calidad de alto voltaje, ¿De donde emanáis esas composiciones excelentes?
semi: Emanan del sudor. De una voluntad constante y obstinada por crear la canción de pop más sencilla y perfecta dentro de nuestras humildes posibilidades. La mayoría de veces fracasamos estrepitosamente, y caemos en un bucle de revisiones constantes que nunca llevan a ningún sitio. En fin, lo importante, más allá del talento, es el trabajo que hay detrás de cada tema. Al fin y al cabo, el talento es una entelequia, una mera estrategia de marketing.

¿En estos momentos como está el animo del grupo?.
jose: Después de la grabación el verano pasado, Jorge dejó el grupo para dedicarse de lleno a estudiar piano. Esto fue un duro golpe del que nos acabamos de reponer. Ahora es Miguel (ex Qualude) quien toca el bajo y esto nos ha llevado un tiempo de adaptación, pero ahora el animo esta por las nubes porque vamos a tener disponibilidad para tocar más, la banda esta sonando francamente bien con Miguel al bajo, el 10 pulgadas esta apunto de salir y nos encanta que nos lo vayan a sacar Paco y Alejandro que son nuestros amigos y que sabemos que se están preocupando de verdad por el grupo y además estamos organizando la gira para después de verano con Caballo Trípode, así que no podemos pedir más…

Para cuando saldrá el disco, quien lo sacara y próximos proyectos de tocar fuera de Alicante, ¿que nos podéis acerca de todo esto?
semi: El disco saldrá en Junio. Será la primera referencia de Discos Baltimore. Esperemos que no sea la última. En cuanto a lo de tocar, a partir de Septiembre pensamos tocar todo lo que podamos y allí donde nos dejen. Hay varias fechas casi cerradas por el norte. Ya iremos informando

Muchas gracias.
Un placer.

Entrevista realizada por The Profe para ipunkrock.es

http://www.myspace.com/provisionalrockunit

LECCION DE CINE (I) DOCTOR ZHIVAGO

¿Como mostrar que Yuri Zhivago es un poeta? ¿Con un plano leyendo poesía? No, demasiado obvio. El cine no es eso.

AIN´T GOT NO (I GOT LIFE)

NEIL YOUNG

CALVIN & HOBBES

-Antes odiaba las redacciones, pero ahora me gustan.
-Me he dado cuenta de que la intención de la escritura es inflar las ideas débiles, ocultar razonamientos pobres y dificultar la claridad
-¡Con un poco de práctica, la escritura puede ser una niebla impenetrable e intimidante! ¿Quieres ver mi trabajo?
-"La dinámica del interser y los imperativos monológicos en Dick and Jane: Un estudio sobre los modos de género transrelacionales psíquicos"
-¡Mundo académico! ¡Allá voy!

Reigning Sound - Time Bomb High School (2002)

Esta banda y este disco se merecen estar en este blog. Un disco de rock sin paliativos. Menos garage de lo que a priori uno podría suponer por los antecedentes de su líder Greg Cartwright (Oblivians). Reigning Sound, imparables. Que su música hable por mí.

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PODEMOS SER HEROES

SANS SOLEIL: ¿CIENCIA FICCION?

Varias secciones del film de Chris Marker Sans Soleil nos presentan la ciudad de Tokio como una metrópolis de ciencia ficción. Marker no entiende el japonés, y la consecuente desorientación, junto a la compactibilidad tecnológica de este entorno urbano, crea el efecto de una alienación futurista. Al igual que el narrador/protagonista de la novela de Edward Bellamy Looking Backward (1888), Julian West (un apellido significativo), Marker se ha despertado y se encuentra desubicado tanto espacialmente como temporalmente. Sin embargo, al contrario que West, Marker no posee una guia para orientarse en este mundo nuevo y desafiante, y las que existen sirven más para distorsionar que para clarificar. A nivel cinematográfico, esta idea de alienación se comunica a través del montaje, de la desunión del sonido con la imagen, y mediante la evocación de una abundancia de significantes, signos cuyo referente Marker solo puede atisbar.

Los pasajeros de un tren de cercanías duermen y la banda sonora suena desafiante con sus drones, puntuados por una serie de sonidos electrónicos que recuerdan a los viejos dibujos animados de Astroboy. Imágenes del tren se intercalan con la locomotora espacial del popular film de animación Galaxy Express, implicando a la película en una red intertextual e "intergaláctica". Estas asociaciones tambien tiene el efecto de infantilizar al narrador, puesto que la alienación engendra una retirada a las imágenes de la niñez.

Marker no solo establece una relación entre Tokio y el campo de la ciencia ficción, sino también entre Tokio y el campo de los media y el espectáculo. Lo que caracteriza a Tokio es la supremacía de la imagen: no estoy hablando solo de los enormes carteles publicitarios con sus rostros mirando desafiantes ("voyerizando" al voyeur, como dice la narradora), sino del interminable flujo de imágenes en los monitores de TV y los ubicuos paneles de monitores que se multiplican en el marco cinematográfico solitario de Marker. Tokio constituye "el mundo de las apariencias" para Marker (cómo no serlo, dado el carácter aparentemente iletrado de los japoneses), aunque también es un reino dedicado a la superficialidad, a lo exterior. Tokio existe como puro espectáculo; esto es, como una proliferación de sistemas semióticos y simulaciones que sirven cada vez más para reemplazar la experiencia e interacción física humana. La televisión es la portadora de signos de una peculiar sexualidad a la habitación de hotel de Marker, los videojuegos sirven como mobiliario en innumerables salones recreativos, los fans del sumo se agolpan ante los paneles de monitores para ver a sus luchadores favoritos; una multiplicación serial del mismo flujo de imágenes que se extiende en una formación reticular como la Marilyn de Warhol. Los monitores de vídeo dominan tanto el paisaje de Tokio que al final uno podría concluir que, en Tokio, "la televisión te observa".

Al final, el narrador encuentra solaz en un compañero que ha diseñado un vídeo-sintetizador como medio de resistencia para la avalancha de imágenes y el bombardeo de señales. A este mundo reprocesado electrónicamente se le llama La Zona (en homenaje a la película de Tarkovsky Stalker). En la Zona la imagen es rebajada a la condición de mera imagen, sin su función de sucedáneo de la realidad. La pasividad que engendra el espectáculo se despedaza; y el cineasta recobra el poder sobre la imagen.

Sans Soleil presenta, de forma compacta, un inestimable número de tropos recurrentes tanto en la ciencia ficción contemporánea como en el discurso crítico sobre los media. El dominio omnipresente y la adicción a la imagen podrían ser considerados como un síntoma primario de identidad terminal. La metáfora del "adicto a la imagen" que existe en y por los medios de comunicación, está sujeta a fuerzas que parecen estar controladas, en principio, por los gobiernos y/o por las grandes corporaciones, pero que, al final, parecen apuntar hacia un pasaje a una nueva realidad. El mundo espectacular de la televisión domina y define la existencia del ser, y se torna más "real" (esto es, más familiar, más autorizado, más satisfactorio) que la misma realidad física. La mayor parte de la producción de ciencia ficción reconoce que vivimos en lo que el tecno-profeta Alvin Toffler ha denominado "cultura blip", una construcción retórica (y quizás "real") por la cual los ciudadanos se convierten en "blips": pulsos electrónicos que solo existen como bits transitorios o bytes de información dentro de una cultura inundada de información. La ciencia ficción de los 50 se resistió al advenimiento de la sociedad del espectáculo (Ray Bradbury, Frederik Pohl, C.M. Kornbluth y Robert Sheckley, por ejemplo), mientras que en textos más recientes este nuevo estadio cultural se reconoce, e incluso a veces se celebra (aparentemente). Una ambivalencia, profundamente "espectacular", omnipresente en las obras de ciencia ficción, ya sea comic, novelas, televisión o cine. La cultura de la televisión y de las computadoras se han propuesto incesantemente como formaciones de control espectacular, aunque también es importante darse cuenta que los nuevos modos de desafío y resistencia han tomado asimismo una forma espectacular.

En su juego discursivo, que incluye imágenes, música y narración, esta sección de Sans Soleil aspira a la condición de ciencia ficción. El viaje del narrador a Tokio pasa por una primera fase de total alienación ante el constante flujo de imágenes, a través de periodos de palpable terror ante la invasión de las fuerzas de la "cultura blip". Al final, el viaje a La Zona representa la adaptación, y apropiación, de la sociedad del espectáculo. Marker utiliza las estrategias retóricas del género de la ciencia ficción para evocar la experiencia de desorientación ante la irrupción de los media en Tokio. Al igual que en la película The Man who Fell to Earth (1976), con su descripción de un alienígena lejos de su mundo, bombardeado por la imágenes y sonidos de la cultura mediática norteamericana, el documental de vanguardia de Marker se podría considerar como su análogo documental.

Cuerpos-X: El Tormento del Superhéroe Mutante (Parte I)

Las estrategias narrativas constituyen tecnologías de adaptación, existen para asistir al conocimiento. Así, por ejemplo, la metáfora del ciberespacio en la novela de William Gibson Neuromante, permite una proyección imaginaria legítima del espacio invisible donde circula la información. A su vez, esa proyección permite revisar el concepto de posibilidad de lo humano en la cultura electrónica. Más que una reconciliación mitológica, una ilusión, la ficción otorga lo que Jameson ha llamado "mapas cognitivos" del sujeto (posiblemente reconfigurado) dentro de un espacio intolerable. Cuando estas estrategias funcionan, la narrativa puede ser un banco de pruebas para las condiciones del ser. Peter Brooks afirma que "las estrategias narrativas modernas parecen producir una transformación semiótica del cuerpo a la vez que una somatización de la historia: el cuerpo debe ser la fuente y el locus del significado, y que las historias no se pueden contar sin hacer del cuerpo el vehículo principal de la significación narrativa". De acuerdo, Brooks está hablando de Proust y Lawrence, no del Hombre de Plástico ni de La Cosa; sin embargo, creo que la narrativa del superhéroe presenta una somatización significativa de preocupaciones sociales posmodernas. Los cómics de superhéroes encarnan una ansiedad social, especialmente relacionada con el cuerpo adolescente y su estatus dentro de la cultura adulta. Los cuerpos de los superhéroes son misteriosos, dotados de habilidades mágicas; aunque son cuerpos marginales dentro del corpus literario occidental, esto no debe disuadirnos para no admitir su importancia. Mas allá del uso de la magia corporal como escape, las culturas que han desarrollado un simbolismo corporal lo usan para enfrentarse a la experiencia vital con su inevitable dolor.

Los cómics de superhéroes presentan narrativas del cuerpo y fantasías corporales que encarnan el enaltecimiento y la ansiedad, la maestría y el trauma. Los cómics narran el cuerpo en historias y lo imaginan en dibujos. El cuerpo es una obsesión central. Está contenido y delimitado; se convierte en una fuerza irresistible y en un objeto inamovible. El cuerpo se agranda y disminuye, se vuelve invisible o está hecho de piedra, explota en millones de átomos y se recompone a voluntad. El cuerpo desafía la gravedad, el espacio y el tiempo; se divide y conquista, se convierte en fuego, vive en el agua y es más ligero que el aire. El cuerpo adopta cualidades animales, se funde con la vegetación, se fusiona con el metal. El cuerpo es asexuado y homosexual, heterosexual y hermafrodita. Incluso la mente se torna cuerpo: es telepática, telequinética, suplantable y controlable. El cerebro de Brainiac sobresale de su cabeza, visible como una parte más de su cuerpo externo. El cuerpo es un accidente de nacimiento, un freak de la naturaleza o la consecuencia de la tecnología volviéndose loca. El cuerpo del superhéroe lo es todo; un mapeado "corporal", más que "cognitivo, del sujeto en un sistema cultural.




Quien crea que el apogeo de los superhéroes ya pasó, solo tiene que entrar a una tienda de cómics para ver estanterías y estanterías de cómics nuevos. La Patrulla X es, a la vez, una película, una serie de TV, un videojuego; Lo mismo pasa con Batman, Spiderman, Iron Man, Daredevil, etc..., la televisión y el cine quieren apropiarse del tirón del superhéroe en el mercado de masas. Incluso Superman volvió a salir en los periódicos (aunque se exageró sobremanera la noticia de su muerte). La presencia del superhéroe, un icono popular desde la década de los 30, es ahora cada vez más ubicua.

En el centro del revival se encuentra La Patrulla X. (continuará)

A STORY OF INSPIRATION

Game 7. 1970 NBA Finals. Nobody knew if Willis Reed would play. The center and captain of the New York Knicks had suffered a torn muscle in his right thigh during Game 5 against the Los Angeles Lakers. He did sit out in Game 6 when Wilt Chamberlain's 45 points and 27 rebounds enabled the Lakers to tie the series at 3-3.

In the pre-game warmups, Reed was not with his New York teammates. He remained in the lockerroom, deep in the bowels of the building.

"I wanted to play," Reed recalls. "That was for the championship, the one great moment you play for all your life. I didn't want to have to look at myself in the mirror 20 years later and say I wished I had tried to play."

Reed took an injection to dull the pain in his leg, and just moments before tipoff he limped through the tunnel and onto the court. Waves of cheers cascaded down from the Garden stands as fans caught sight of the Knicks' captain, a sight that was not lost on New York's opponents.

"I saw the whole Laker team standing around staring at this man," said Knicks guard Walt Frazier. "When I saw that, when they stopped warming up, something told me we might have these guys!"

Reed lined up against Chamberlain for the opening tap and scored the Knicks' first two baskets of the game. Those would prove to be his only points, but his presence was more than enough to inspire the Knicks to a 113-99 victory and the franchise's first NBA Championship. Overshadowed by Reed's emotion-charged effort was one of the great playoff performances in NBA history by Frazier, who led the Knicks with 36 points and 19 assists.

Images speak far more eloquently than me.

SIMPLE ELEGANCIA

LA EVOLUCION DE LAS COSTUMBRES

Se restauran neones. Se reparan conciencias. Se restañan heridas. Se curan impotencias. Se interroga a las sombras. Se auscultan los silencios. Se prepara el futuro. Se pulen los espejos. Se nos toma por bobos. Se alimenta a los cuervos. Se ha perdido la magia. Se conjuran los necios. Son los tiempos modernos que nos toca vivir. Se aplazó el sueño eterno. Es mejor no reír. Se hacen ferias de muestras de la modernidad. A los cuentos de niños se les cambia el final. Se renuevan las horas. Se renuncia a los sueños. Se crecen los enanos. Se recurre a los tuertos. Se acaban las princesas. Se nos termina el tiempo. Se equivocan las luces. Se abaratan los genios. Se ha pasado de todo. Se presume de nada. Se conjuran los necios. Se nos mueren las hadas. Se hacen ferias de muestras de la modernidad. A los cuentos de niños se les cambia el final. Son los tiempos modernos que nos toca vivir. Se aplazó la edad de oro. Es mejor no reír.